1415- Rei Lixo (tomo 05)

                            O teatro Elisabethano, assim como a tragédia grega e o teatro do absurdo, apresentam uma mesma premissa: a falta de lógica nos acontecimentos. Lorenzoni foi buscar na bufonaria, no teatro apocalíptico e nas teorias de Jacques Lecoq, os embasamentos para um espetáculo de quase uma hora e meia de duração, onde o tétrico, o incesto e a antropofagia chocam e seduzem ao mesmo tempo. Lear é o rei absolutista que assim como o Rei Sol da França, decide tudo o que está sob a abóboda celeste, já que é escolhido por Deus. Ao dividir seu império, descobre quem realmente eram suas filhas e a força de sua ambição. A Inglaterra do Bardo, havia acabado de perder Elisabeth Iª e via o reino dividido, correndo o risco de separar-se ali Escócia e Inglaterra. Uma cosia é certa: Escócia era a filha amada e Inglaterra, a representação perfeita das filhas ambiciosas. Lear era rei da velha Bretanha, e assim como esta, envelheceu, inspirando Shakespeare a nos dar um libelo poético sobre a senilidade e os caminhos que conduzem o homem ao fim. 

                       No palco, oito atores deram vida à criaturas repletas corporeidade enquanto um desses atores, mesmo que completamente absorto. À narrativa, ainda dirige-se, com punho de ferro as intricadas reviravoltas propostas por Shakespeare e alcança estatus de épico com a postura e as intenções cênicas propostas nos momentos tangenciais. O diretor permeia o espetáculo com violência e canibalismo, muito embora não seja esse o foco da cena. Em verdade é o sadismo das filhas de Lear e daquela população corroída de princípios que nos  atrai. 

                                Chuva e eclipe, são em Lear, símbolos de solidão, destruição e confusão humana. 

                        As perguntas que devíamos fazer, a partir da obra assistida, seriam: -Como o diretor consegue atuar e dirigir ao mesmo tempo, fazendo o personagem tema. -Como ele chegou nessa percepção de transformar o reino de Lear em um gueto de mendigos. -Por que as filhas de LEar encontram um bebê no lixão. - Como os atores e atrizes se preparam para esse tipo de espetáculo. - Qual o preparo vocal feito pelo interprete de Lear...  O Espetáculo Rei Lixo do Máschara, carrega a assinatura de um teatro que começou a ser desenvolvido lá em 1998, quando o diretor Helquer Paez ministrou uma oficina antropológica com o Máschara, mais tarde em 2000 com a montagem antológica de Antígona de Sófocles, o grupo desenvolveu uma percepção sobre o uso da semiótica e sobre a importância de uma estética funcional e cabível. Segundo Sanders Pierce, a semiótica deve ser analisada como uma tríade: signo, objeto e interpretante. Por exemplo: O andaime em cena em Rei Lixo, é o objeto,  na cena, ele pode ser um andaime, pode ser um castelo, pode ser uma montanha que leva até as nuvens, pode ser um trono, pode ser um púlpito... O interpretante aqui se divide no ator, que vai dar ao signo/objeto, a função que faça jus ao que pretende dizer e o público, que irá ler o signo, de acordo com suas possibilidades sensíveis, cognitivas e culturais. 

                         Rei Lixo tem uma gama de signos, é sem dúvida um grande exemplo de uma obra a ser analisada e vista várias vezes, até que todas as possibilidades sejam observadas, discutidas e refletidas. Junior Lemes, Douglas Maldaner e Kleberson Ben descobriram novos caminhos, novas formas de dizer seus textos, embora não devam esquecer que Shakespeare deve se tornar hábito, para então se tornar orgânico. O que não é nada fácil. As filhas de Lear são um elo e contracenam com uma força feminina lindíssima. Casagrande e Lorenzoni triangulam mesmo sem contracenar. Um parece o oposto perfeito do outro,  enquanto carregam seus núcleos. Serquevitio tem se mostrado uma atriz muito mais perceptiva, possivelmente devido a seus últimos trabalhos, que lhe exigiram ainda mais como atriz. 

                            Aconselho a equipe, a fazer todo o possível para que o espetáculo não pare. Rei Lixo deve ser assistido, deve ser usado como material de estudo para o maior número de pessoas possível. 

Arte é Vida

Elenco : Kléber Lorenzoni, Renato Casagrande

              Carol Guma(**), Ana Costa(**), Antonia Serquevitio (***)

              Junior Lemes (**), Douglas Maldaner (**),  

              Kleberson Ben (***), 

              Roberta Teixeira (**), Ana Kraemer (**), Clara Devi (**)

Elenco de Quintanares após debate

 

1414- Quintanares - O menino Pássaro (tomo 12)

 O menino pássaro segue voando.

                      Há espetáculos que nos convidam a olhar para o palco. Outros nos obrigam a olhar para aquilo que acontece por trás dele: as escolhas, as intenções, os caminhos percorridos e, sobretudo, aquilo que ainda precisa ser construído. Quintanares — O Menino Pássaro, da COARTE, apresentado no Centro Cultural 25 de Março, durante o 1º FesterÊ, pertence a essa segunda categoria. Não porque lhe falte encanto, mas porque há ali matéria suficiente para uma boa conversa sobre teatro. E, convenhamos, conversar sobre teatro é muito mais interessante do que simplesmente distribuir flores ao elenco e voltar para casa com a consciência tranquila.

                        Começo pelo que considero importante: os atores evoluíram muito. Há um crescimento perceptível na relação com o palco, na comunicação com a plateia e na construção das personagens. O espetáculo demonstra um grupo que vem trabalhando, experimentando e encontrando novas possibilidades de expressão. Isso precisa ser reconhecido. Entretanto, evolução não significa acabamento, assim como entusiasmo não é sinônimo de domínio técnico. O teatro tem dessas inconveniências: quanto mais aprendemos, mais percebemos o quanto ainda não sabemos.

                        A montagem possui uma proposta visual e narrativa interessante, (que bom que a direção optou pela maquiagem inicial), apoiada na poesia e no universo de Mario Quintana. Há uma delicadeza que atravessa o espetáculo e uma intenção evidente de aproximar o público de um imaginário poético, principalmente na segunda parte do espetáculo. Rosiane Teixeira precisa dedicar um trabalho mais aprofundado à voz. Sua interpretação tem possibilidades, mas o tom ainda precisa encontrar maior sustentação. Trata-se de trabalhar respiração, ressonância e intenção vocal. A voz é instrumento do ator e precisa ser estudada com a mesma seriedade dedicada ao corpo. É preciso encontrar a animalidade, o centro de gravidade, e a relação com a voz. Aqui cabe uma recomendação que não deveria faltar na formação de nenhum ator: Rudolf Laban. Peso, tempo, espaço e fluência não são conceitos decorativos para preencher apostilas de preparação corporal. São ferramentas concretas de composição. O ator precisa compreender que cada personagem possui uma maneira particular de existir fisicamente. Da para ver claramente um esboço proposto pela direção, mas que precisa ser aprofundado.

                      Mariana Barreo esteve em cena repleta de energia, cheia de élan, com uma disposição que merece ser observada com atenção. Há nela uma vitalidade cênica interessante, uma vontade de ocupar o espaço e uma disponibilidade que são fundamentais para quem deseja construir uma trajetória no teatro. Está no caminho certo. Precisa continuar estudando, experimentando e, principalmente, aprendendo a administrar essa energia. Porque energia é matéria-prima, mas a técnica é aquilo que permite transformá-la em linguagem. Não se trata de diminuir sua intensidade, mas de descobrir como utilizá-la com precisão.

                        Há, entretanto, uma questão que considero fundamental e que diz respeito à direção: Um diretor faz escolhas. Escolhe o que mostrar, o que retirar, onde colocar o foco, como organizar os movimentos, quais personagens ganham determinada dimensão e que caminhos serão percorridos pelos intérpretes. A direção é, antes de tudo, um exercício de responsabilidade artística. Algumas dessas escolhas podem ser acertadas; outras, mesmo realizadas com boas intenções, talvez não tenham produzido os melhores resultados. E isso precisa ser dito, inclusive quando estamos diante de um festival. No Festerê, algumas opções da montagem me pareceram questionáveis. Não significa que o espetáculo esteja comprometido, tampouco que a proposta não tenha valor. Significa apenas que determinadas soluções poderiam ter sido mais bem avaliadas. O diretor não precisa acertar sempre — até porque, se assim fosse, os ensaios seriam reuniões bastante curtas e o teatro uma atividade muito menos interessante. Aconselho a deixar o elenco ousar mais, errar mais, extravasar...Poderia dar tudo errado, é claro. Mas essa resposta ninguém tem.

                         Também é preciso compreender que um festival possui suas particularidades. O tempo, as condições técnicas, a relação com o público e o contexto de apresentação interferem na recepção de um espetáculo. Isso não retira da direção sua responsabilidade, mas amplia o campo de observação. Uma montagem precisa estar preparada para dialogar com diferentes espaços e circunstâncias, sem perder sua identidade, um dos méritos do trabalho da direção é preparar a equipe para cada mudança, ou seja, em cada apresentação que assisti, o elenco se readaptava.

                        Quintanares tem qualidades que merecem ser preservadas e fragilidades que precisam ser enfrentadas. O trabalho corporal pode avançar, a construção das personagens pode ganhar maior especificidade e a organização das intenções cênicas pode encontrar mais precisão. Não se trata de acrescentar movimentos, falas ou efeitos, mas de compreender melhor aquilo que já está posto em cena.

                          Aliás, talvez seja esse o próximo desafio da COARTE: compreender que crescer artisticamente nem sempre significa acrescentar. Às vezes, crescer é retirar. É perceber que determinado gesto sobra, que uma fala não precisa ser enfatizada, que uma personagem necessita de outra qualidade física e que o silêncio pode comunicar muito mais do que uma sucessão de palavras. A evolução do elenco é evidente e merece aplausos. Mas os aplausos, por mais agradáveis que sejam, não podem se transformar em instrumento de avaliação artística. O público aplaude, o artista agradece e, no dia seguinte, o trabalho recomeça. É assim que deve ser.

                          Tenho particular apreço por espetáculos que se arriscam a falar de poesia, literatura e memória. Em tempos nos quais tudo precisa ser rápido, imediato e facilmente consumido, colocar Mario Quintana em cena é também uma escolha de resistência. O poeta merece mais do que uma homenagem ilustrativa. Merece ser descoberto, questionado, interpretado e, principalmente, sentido.

                        Senti falta de mais sons no acompanhamento de Didi Araújo, e para todos fica a provocação. Vale apena um teatro sem ensaios?

Quintanares- O Menino Pássaro

Direção e Dramaturgia - Kléber Lorenzoni

Assistência - Renato Casagrande

Elenco:  Maico Carricio, Rosiane Teixeira, Paulo Amaral, Mariana Barreto, Lully Nicoli, Antonia Serquevitio. 

Trilha- Didi Araújo

Três atrizes vencedoras - Carol Guma, Ana Costa, Antonia Serquevitio

 

Festerê- Grupo Máschara

 

Cortem-lhe a cabeça- Giovana Lopes em O Pequeno Príncipe

 

Ana Clara Kraemer, a raposa de O Pequeno Príncipe

 

O Pequeno Príncipe- Prólogo

 

Texto o Pequeno Príncipe, criado em sala de aula pelos alunos da ESMATE

 

PEQUENO PRÍNCIPE – ESMATE

(PRÓLOGO)

Ana Clara- Pessoal da produção, acendam a luz de serviço , por favor. NÃO A DO PÚBLICO, A DE SERVIÇO, SEU IMBECIL!

Ana Costa- Ai amiga, eu adoro chegar cedo para passar o meu texto

Valentina- É mesmo. Você tem pancake?

Ana Costa- Vamos no meu camarim ver

Valentina- Vamos! Me dá licença!

Alex- Que gente mal educada, eu hein. (Susto) MEU DEUS, O QUE É ISSO?! NINGUÉM ME RESPEITA

Michely-  Me dá o pino, por favor!

(Coreografia Sucesso, Aqui Vou Eu)

Klebér- O QUE É QUE ESTÁ ACONTECENDO AQUI!?

Lembranças do Festival Rosário em Cena

 

Texto teatral para Educação Fiscal

 

EMILIA EM: EDUCAÇÃO FISCAL

 

Tia Nastácia: Bom dia, que bom que vocês chegaram, com vocês aí eu já não fico tão sozinha. Eu já estava a começar a preparar o desjejum dos moradores do sítio. Dona Benta adora comer cuscuz, Pedrinho gosta mesmo é de sanduíche de pão de forma e a Narizinho se perde no bolo de aipim, aliás, daqui a pouco eles aparecem por aqui. Nossa, esqueci que tenho que correr na vendinha para comprar os insumos para produzir tudo isso!!! A despensa está vazia!

Visconde de Sabugosa: Preciso me apressar, preciso concluir esses pensamentos, essas ideias...

Tia Nastácia: Senhor Visconde, o senhor fica aí no mundo desses estudos e pesquisas e esquece de cumprimentar as pessoas!!! Não seja deseducado!

Visconde de Sabugosa: Ora, ora, quantas amigas e amigos na sua cozinha hoje, tia Nastácia. Estou tão apressado que quase não os vi, desculpe, mergulhado nos livros, que amo, acabo por não prestar atenção em mais nada... aliás, preciso me apressar para ir à tabacaria, comprar alguns livros, o periódico é claro, além da carga de minha caneta tinteiro...

Tia Nastácia: Ora, deixe que aproveito que tenho a lista de compras da cozinha para buscar e trago também os itens que vosmecê precisa. 

Emília: Não, não, não, quem vai para a rua passear serei eu!

Tia Nastácia: Pit, ninguém aqui vai passear, sua boneca travessa! Eu vou no armazém e depois na tabacaria. 

Emília: Eu é quem irei, já vou indo, já estou lá, fui!!! 

Visconde de Sabugosa: Pit, está esquecendo nada, Dona Emília?

Emília: E o que seria seu sabugo sabido?

Tia Nastácia: Pit, modos, boneca travessa, você está esquecendo da lista de compras...

Emília: Ah...

Tia Nastácia: Com a lista você compra o necessário e não se deixa levar por pacotes bonitos ou vidros coloridos que são uma verdadeira tentação!!!!

Visconde de Sabugosa: E não esqueça de pedir o cupom fiscal!

Emília: Ara, você tá me ofendendo, seu cara de urubu de cabelo laranja!

Tia Nastácia: Pit, Pit, boneca, para que tratar um catedrático dessa forma?

Emília: Por que ele me ofendeu...

Visconde de Sabugosa: Ora, sua ingênua cabecinha de feltro, cupom fiscal é um comprovante de que você comprou algo, um documento muito importante!

Tia Nastácia: E quem não dá esse cupom está, na verdade, sonegando, o que é considerado crime...

Emília: Que feio!!!

Visconde de Sabugosa: Exigir o cupom fiscal é um direito de nós consumidores.

Emília: E para que é tão importante esse tal de cupom?

Tia Nastácia: Vosmecê não gosta de brincar no parquinho?

Visconde de Sabugosa: E a escola aqui do sítio? E a estrada que nos leva até a cidade, que é lisinha e chamamos de asfalto!!!

Emília: O que tem?

Visconde de Sabugosa: Tudo é pago com os impostos, que são uma parte do dinheiro das nossas compras. Quer dizer, quando não recebemos o cupom...

Emília: A notinha...

Visconde de Sabugosa: A notinha, o sonegador.

Tia Nastácia: Cruz credo, nem gosto de ouvir essa palavra!

Visconde: Não recolhe os impostos ao Estado e à Federação, assim esses impostos não podem se transformar em escola, creche, postinho de saúde...

Emília: Mas então, se eu pago a compra e uma parte do meu dinheiro vai para o governo, quer dizer que eu sou dona da escola, da creche e do asfalto?

Tia Nastácia: Pit, menininha, a dona é a Dona Benta, pois ela que deu o dinheiro para as compras.

(Emília emburra-se.)

Visconde de Sabugosa: Mas sim, menina, nós somos os donos de tudo e, se somos donos, temos que preservar o que é nosso!

Emília: Nem estragar, nem destruir o patrimônio de todos nós.

Tia Nastácia: E sempre pedir o cupom fiscal! Preferencialmente com o número do CPF.

Visconde de Sabugosa: Calma lá, minha velha amiga, essa já é outra história, mais complicada para a nossa boneca...

Tia Nastácia: Pit, pit.

Emília e Visconde: Mas o que é PIT afinal?

Tia Nastácia: Essa é fácil, é o Programa de Integração Tributária.

Visconde de Sabugosa: É isso mesmo, e a gente espera que todos esses amigos e amigas da Tia Nastácia divulguem em suas escolas a Educação Fiscal, pois quanto mais a gente trabalhar em equipe e ensinar todas as nossas bonequinhas e bonequinhos, a sua importância, maior vai ser a pontuação do nosso município e assim mais retorno financeiro em escolas, postinhos e asfaltos...

Todos: Da nossa Cruz Alta!!!!

1399-1400. Quintanares- O Menino Pássaro (tomos 10 e 11)

                     A primeira vez que assisti a uma peça de teatro eu tinha menos de quatorze anos. Foi em Cruz Alta, minha terra natal. A trama era sobre duas irmãs gêmeas separadas na infância, numa adaptação de Alexandre Dumas, escritor francês. A apresentação acontecia dentro de um circo, sob uma lona. E naquela espécie de mundo improvisado, cercado por gente e expectativa, alguma coisa aconteceu comigo. Eu me emocionei. Fiquei fascinada. Os atores, para aquela menina, não eram simplesmente pessoas representando personagens. Eram quase super-heróis. Gente capaz de fazer surgir outros mundos, de provocar sentimentos e de transformar uma lona num universo inteiro. O teatro, descobri sem saber que estava descobrindo, tinha esse poder de nos sequestrar da realidade sem precisar pedir autorização. 

                Anos depois, assistindo a Quintanares — O Menino Pássaro, da COARTE, de Alegrete, reencontrei um pouco daquela sensação. Não exatamente pela mesma razão, tampouco com os mesmos olhos — afinal, o tempo se encarrega de retirar de nós algumas ingenuidades e, em compensação, nos entrega o inconveniente privilégio de perceber o que antes passava despercebido. Mas havia ali um elenco colorido, figurinos assinados por Renato Casagrande e Tina Santos, energia espalhada pelo palco e atores que pareciam empenhados em resolver, a cada instante, os problemas do mundo. Ou, pelo menos, os problemas daquela cena. E isso tem seu valor. 

                    O espetáculo apresenta artistas dispostos, corpos em movimento, uma comunicação que vem crescendo e uma vontade legítima de fazer o teatro acontecer. Às vezes, porém, a energia parecia correr mais depressa que a própria encenação. Os atores atravessavam o palco, entravam e saíam, procuravam soluções, encontravam outras, perdiam algumas pelo caminho. Em determinados momentos, as cenas pareciam ligeiramente desconectadas, como se o pensamento de um personagem tivesse chegado antes do pensamento do outro. Provavelmente, mais ensaios poderiam ajudar a organizar esse trânsito de intenções. Porque energia sem direção é apenas movimento; no teatro, precisamos que esse movimento encontre sentido. Mariana Barreto ainda muito jovem, esmerou-se em cena. Há nela presença, coragem e uma disposição que merece atenção. Precisa de mais ensaios, de maior segurança e de tempo para amadurecer suas escolhas. Mas já aponta possibilidades interessantes. Se permanecer firme no ofício, estudando, experimentando e aceitando o trabalho que a formação exige, poderá se tornar uma grande intérprete. O palco não costuma premiar quem apenas deseja muito. Ele cobra de quem deseja a disposição de trabalhar ainda mais. Porque, convém lembrar, teatro é menos talento do que trabalho. Ou melhor: o talento pode abrir uma porta, mas não conhece sozinho o caminho que existe depois dela. Lorenzoni esteve em cena como Poesino. Na primeira inserção, pareceu-me perdido, um tanto confuso, como quem ainda procurava a chave da própria personagem. Na segunda, entretanto, encontrou o caminho e dominou a cena. E então fez do elenco gato e sapato com seus categóricos “Congela!”. Um comando, um gesto, uma interrupção, e lá estavam os demais obrigados a suspender o movimento, reorganizar a ação e esperar a próxima ordem. Há uma comicidade interessante nessa possibilidade de brincar com o tempo e com o comportamento dos outros personagens. Quando encontra precisão, esse recurso funciona; quando se repete sem a medida necessária, corre o risco de se transformar em mecanismo. A diferença, como quase tudo no teatro, está na execução. 

                          Antonia Serquevitio e Rosiane Moraes se esmeraram em pontuar o espetáculo com delicadeza e precisão. Antonia destacou-se pelo corpo, pela expressividade física, pela capacidade de construir presença para além da palavra. Entretanto, precisa conquistar maior domínio do microfone, para que a qualidade de sua atuação não seja prejudicada por uma questão técnica. Rosiane, por sua vez, criou novas possibilidades para a personagem, experimentando caminhos que demonstram iniciativa e desejo de composição. Sua cena de maior intensidade, contudo, merece uma revisão. Um momento de força não precisa ser necessariamente um momento de excesso. Às vezes, retirar um gesto, conter uma intenção ou deixar a pausa respirar produz muito mais do que insistir em demonstrar ao público tudo aquilo que a personagem está sentindo. Maico Carricio precisa cuidar da respiração durante a cena, especialmente para que a voz não pareça abafada ou presa. A respiração não é um detalhe burocrático do ator: é matéria de trabalho, sustentação da palavra, organização do pensamento e condição para que a voz alcance o outro com clareza. Lully Nicoli por sua vez, pode se permitir maior soltura. Há momentos em que a formalidade parece colocar uma pequena distância entre a intérprete e a personagem. É preciso experimentar, arriscar, deixar que a ação respire sem perder o rigor. Soltura não é desleixo; é liberdade construída com consciência. Renato Casagrande esteve no palco, com apetrechos sonorizadores, mas muito econômico! O microfone não faz milagres e tampouco perdoa tudo. Há uma questão técnica que merece atenção especial: o uso do microfone exige expertise. Não basta segurá-lo ou tê-lo preso ao corpo para que a palavra chegue ao público com qualidade. É preciso conhecer sua captação, controlar a distância, cuidar da projeção vocal, articular com clareza e, sobretudo, compreender que o equipamento também faz parte da composição cênica. Quando o ator movimenta a cabeça, muda de posição, vira o rosto ou altera a intensidade da voz sem considerar a captação, pode comprometer a compreensão do texto. E o problema se agrava quando o elenco fala cacos o tempo todo, inclusive quando não é sua vez de falar. O microfone capta o que deveria permanecer em segundo plano, mistura intenções, sobrepõe palavras e pode transformar uma cena organizada numa pequena assembleia sem pauta. O silêncio do ator que não está falando também é atuação. Ouvir, reagir e esperar o momento certo são exercícios tão importantes quanto dizer o texto. Microfone não substitui técnica vocal, assim como amplificação não substitui ensaio. 

                     A maquiagem merece um olhar particular. Transformada, diferente, limpa, de desenho clean, ela encontra uma linguagem que não precisa gritar para ser percebida. E essa economia é bem-vinda. A maquiagem teatral não precisa necessariamente cobrir o rosto de informações para produzir transformação. Às vezes, um traço bem colocado vale mais do que uma composição carregada. É uma solução visual que dialoga com o colorido do espetáculo e contribui para a construção de um universo próprio, sem disputar com o ator aquilo que deveria ajudá-lo a revelar. Os adereços (principalmente malas)também estão presentes, compondo esse universo de objetos e possibilidades. O desafio, daqui para a frente, é administrá-los com cada vez mais consciência: saber quando entram, por que entram e o que realmente acrescentam à cena. Um objeto em palco precisa justificar sua existência, principalmente em um espetáculo onde não há cenários. Vamos praticar bilboquê? Todo o elenco? Que tal? A pergunta pode parecer provocação, e talvez seja mesmo. Mas há uma razão para ela. O bilboquê, com sua simplicidade quase infantil, exige justamente aquilo que o palco não costuma negociar: presença, paciência, repetição e domínio do gesto. A bolinha não entra no lugar certo porque o jogador está entusiasmado. Ela entra quando o movimento encontra a medida. E, se não entra, tenta-se novamente. Sem culpar a iluminação, o figurino ou o colega que estava falando fora de hora. O mesmo vale para o trabalho de ator. A energia de um elenco jovem é uma riqueza, mas precisa encontrar organização. A espontaneidade é desejável, desde que não seja confundida com improvisação permanente. O corpo precisa saber o que faz; a voz precisa saber aonde vai; o personagem precisa ter razões para estar ali. E tudo isso se conquista com repetição, observação, escuta e trabalho coletivo. O que mais me interessa em Quintanares — O Menino Pássaro é perceber uma COARTE que busca caminhos, experimenta, arrisca e demonstra uma capacidade crescente de se comunicar com o público. Há um desejo de contar, de envolver, de construir uma relação com quem está do outro lado da cena. Isso não é pouco. Aliás, é justamente daí que o trabalho pode avançar: da vontade de comunicar para a consciência de como comunicar. Eu continuo acreditando no teatro, mas não podemos esquecer que ele vai muito mais longo do que o teatro no palco. É preciso merecer o palco! A COARTE tem matéria para trabalhar, artistas com possibilidades e uma disposição que merece continuidade. O próximo passo não é necessariamente fazer mais, correr mais ou falar mais alto. É aprofundar. Ensaiar até que o movimento deixe de parecer uma tentativa de resolver a cena e passe a ser a própria cena. Até que a palavra encontre o corpo, o corpo encontre o pensamento e o elenco aprenda que estar junto no palco é muito mais do que estar ao mesmo tempo no palco.

Turma NUMAC manhã - Formação